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Contemporaneidad
describe una cierta perspectiva de la historia moderna. El término "historia contemporánea" ha estado en uso por lo menos desde el siglo XIX. En el contexto más amplio de su uso, la historia contemporánea es esa parte de la historia viva aún en la memoria. Basándonos en la vida humana, la historia contemporánea se extendería por un período de aproximadamente de 80 años. Obviamente, este concepto cambia en términos absolutos a medida que pasan las generaciones. En un sentido más estricto, "la historia contemporánea" puede referirse a la historia recordad por la mayoría de los adultos vivos, que se extiende cerca de una generación. Ya que la edad media de las personas que viven en la Tierra es de 30 años a partir de la actual (2015), aproximadamente la mitad de las personas que viven hoy nacieron antes de 1985.
Desde la perspectiva de la década de 2010, por lo tanto, la historia contemporánea puede incluir el período desde mediados del siglo 20, incluyendo el período de posguerra y la guerra fría y que casi siempre incluyen el período de alrededor de 1985 para presentar el que está dentro de la memoria de la mayoría de las personas vivas.
La época actual posee un carácter distinto de su actual.
Vanguardia
se refiere a las personas o a las obras experimentales e innovadoras, en particular en lo que respecta al arte, la cultura, la política, la filosofía y la literatura.
Representa un empuje de los límites de lo que se acepta como la norma o statu quo, sobre todo en el ámbito cultural. La noción de la existencia del vanguardismo es considerado por algunos como una característica del modernismo, a diferencia de la posmodernidad. Muchos artistas se han alineado con el movimiento avant-garde y aún continúan haciéndolo, trazando una historia a partir del dadaísmo pasando por los situacionistas hasta artistas posmodernos como los Poetas del Lenguaje alrededor de 1981.
El término también se refiere a la promoción de reformas sociales radicales. Fue este sentido el que se evocó por el adherente a Saint-Simon, Olinde Rodrigues, en su ensayo "L'artiste, le savant et l'industriel" ("El artista, el científico y el industrial", 1825), que contiene el primer uso registrado de "avant-garde" en su sentido ahora habitual: allí, Rodrigues pide a los artistas "servir como el vanguardismo [de la gente]", insistiendo en que "el poder de las artes es, de hecho, la forma más inmediata y rápida" para la reforma social, política y económica.
Estos movimientos artísticos renovadores, en general dogmáticos, se produjeron en Europa en las primeras décadas del siglo XX; desde donde se extendieron al resto de los continentes, principalmente hacia América, en donde se enfrentaron al modernismo.
La característica primordial del vanguardismo es la libertad de expresión, que se manifiesta alterando la estructura de las obras, abordando temas tabú y desordenando los parámetros creativos. En poesía se rompe con la métrica y cobran protagonismo aspectos antes irrelevantes, como la tipografía.
Isma literario
(entendiéndose como verbal aquello «que se refiere a la palabra, o se sirve de ella»2) y, por lo tanto, abarca tanto textos escritos (literatura escrita) como hablados o cantados (literatura oral). En un sentido más restringido y 'neotradicional' (ya que las primeras obras literarias fueron compuestas para ser cantadas y/o recitadas), es la escritura que posee mérito artístico y que privilegia la literariedad, en oposición al lenguaje ordinario de intención menos estética y más práctica. El término literatura designa también al conjunto de producciones literarias de una lengua, de una nación, de una época o incluso de un género (la literatura griega, la literatura del siglo XVIII, la literatura fantástica, etc.) y al conjunto de obras que versan sobre un arte o una ciencia(literatura médica, jurídica, etc.). Es estudiada por la teoría literaria.
Sismo literario
Hacia 1900, en España se produce la irrupción del modernismo: una actitud vital de rebeldía y renovación , malestar e inquietud.
Supone una actitud neorromántica, por el rechazo al entorno, y a las normas morales y sociales que coartan la libertad del ser humano, la repugnancia por la hipocresía y el materialismo, y la defensa de la belleza, el espiritualismo u el subjetivismo.
Esto fue un verdadero sismo en las artes y la literatura de la época.
Modernismo
En la literatura en lengua española, el término modernismo denomina a un movimiento literario que se desarrolló entre los años 1880-1920, fundamentalmente en el ámbito de la poesía, que se caracterizó por una ambigua rebeldía creativa, un refinamiento narcisista y aristocrático, el culturalismo cosmopolita y una profunda renovación estética del lenguaje y la métrica. Se conoce por modernismo a la forma hispánica de la crisis universal de las letras y del espíritu, que se manifiesta en el arte, la ciencia, la religión y la política. En ciertos aspectos su eco se percibe en movimientos y en corrientes posteriores. En las raíces del Modernismo hay un profundo desacuerdo con la civilización burguesa. En ciertos sentidos, se trata de una corriente heredera del Posromanticismo decimonónico, al que da una especie de salida, y en las demás artes esta estética se plasma en las formas del art nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Leste (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y Países Nórdicos), Liberty (en Estados Unidos), Floreale (en Italia), y Modernismo artístico (en España e Hispanoamérica).
Simbolismo
El simbolismo fue uno de los movimientos literarios más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. En un manifiesto literario publicado en 1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva». Para los simbolistas, el mundo es un misterio por descifrar, y el poeta debe para ello trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles (por ejemplo, Rimbaud establece una correspondencia entre las vocales y los colores en su soneto Vocales). Para ello es esencial el uso de la sinestesia.
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A. ¿que es el color?
El color es la impresión producida por un tono de luz en los órganos visuales, o más exactamente, es una percepción visual que se genera en el cerebro de los humanos y otros animales al interpretar las señales nerviosas que le envían los fotorreceptores en la retina del ojo, que a su vez interpretan y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro electromagnético.
Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como distintos colores según las longitudes de ondas correspondientes.
El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. Con poca luz se ve en blanco y negro. En la superposición de colores luz (denominada "síntesis aditiva de color"), el color blanco resulta de la superposición de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de luz. En la mezcla de pigmentos (denominada "síntesis sustractiva de color"), trátese de pinturas, tintes, tintas o colorantes naturales para crear colores, el blanco solo se da si el pigmento o el soporte son de ese color, reflejando toda la luz blanca, mientras que el negro es resultado de la superposición completa de los colores cian, magenta y amarillo, una mezcla que en cierta medida logra absorber todas las longitudes de onda de la luz.
La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores del espectro visible por medio de un prisma (dispersión refractiva). En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.
En el arte de la pintura, el diseño gráfico, el diseño visual, la fotografía, la imprenta y en la televisión, la teoría del color es un grupo de reglas básicas en la mezcla de colores para conseguir el efecto deseado combinando colores de luz o pigmento. El color negro se puede producir combinando los colores pigmento: cian, magenta, amarillo; y mientras que combinando los colores luz: rojo, verde y azul se produce el color blanco.
En resumen la combinación de los colores pigmento (cian, magenta, amarillo) sustraen luz, como su nombre lo indica, y se obtiene el color negro. Y la combinación de los colores luz (verde, rojo, azul) suman luz, y se obtiene el color blanco.
B.
El arte del siglo XX es activo y participativo. Por primera vez, abandona la exclusividad de las élites para empezar a representar los convulsos escenarios políticos y sociales que se vivieron en el mundo en aquel momento.El arte se pone al servicio de la protesta individual y colectiva, como un modo de escenificar las fuertes emociones que impregnaban el ánimo social de una etapa marcada por el cambio.A continuación, el siglo XX en 20 movimientos artísticos.
1. MODERNISMO | 1900
Fue una corriente artística de carácter renovador, que alcanzó su máximo apogeo en la etapa de la Belle Époque. Fue un arte novedoso, de características juveniles, símbolo de la libertad y de la etapa moderna. Rompe por fin con los estilos academicistas imperantes hasta la fecha.Estuvo altamente influenciado por motivos exóticos como las estampas japonesas o la naturaleza exuberante.
2. FAUVISMO | 1904
El fauvismo francés fue un movimiento artístico exclusivamente pictórico. El uso del color en su más puro estado es su característica principal.Contrastes cromáticos fundamentados en la teoría del color dan sentido a la obra. La perspectiva o el modelado pierden todo su sentido en esta corriente, aportando un toque de espontaneidad al resultado final. El pintor fauvista expresa sus emociones y percepciones a través del color y las líneas desfiguradas.
3. CUBISMO | 1907
La corriente cubista rompe radicalmente con la pintura tradicional, materializada en el uso de la perspectiva. La figuración geométrica se convierte en el medio de representación de la naturaleza y el entorno.Los colores se vuelven tenues, desaparece la potencia del color en favor de tonalidades apagadas y frías. Fue común el uso del collage. La obra cubista a menudo supone un reto interpretativo al perder los referentes naturalistas.
4. FUTURISMO | 1909
Surge en Italia con el férreo objetivo de romper la tradición artística y los signos convencionales y lugares comunes de los que estaba dotada.El Futurismo estuvo fuertemente relacionado con el nacionalismo. Representó elementos que dominaban una época de agitación.La máquina y el movimiento fueron la máxima inspiración para artistas del movimiento que buscaban mostrar al mundo acción y frenetismo.
5. EXPRESIONISMO | 1914
El Expresionismo como corriente impregnó todos los campos artísticos: La pintura, la escultura, la música… Está considerada la primera de las vanguardias, por lo que no es un movimiento como tal, sino un modo de entender el arte.El artista expresionista deforma la realidad, expresa sus emociones y su propia visión del entorno a través de colores violentos y un tratamiento brusco de la obra. Supuso una representación del sentimiento de soledad y amargura provocado por la guerra.
6. CONSTRUCTIVISMO RUSO | 1914
El Constructivismo ruso representa el poder de la influencia artística al servicio de los intereses políticos.Los artistas realizaron obras que pusieron a disposición del gobierno revolucionario bolchevique. El arte comenzó a unirse al diseño y al texto, dando lugar a obras de enorme capacidad propagandística. Los colores planos y la geometría fueron fuertemente empleados por los artistas.
7. DADAÍSMO | 1916
El Dadaísmo surge como reacción a la supremacía de la razón. Fueron muchas las manifestaciones artísticas que se hicieron eco de este movimiento.El artista dadá es revolucionario y provocador, y se burla del sistema establecido en todos los órdenes.Es una corriente heterogénea que no posee lugares comunes, sino que debe entenderse como una nueva forma de ver el mundo del arte.
8. BAUHAUS | 1919
La Bauhaus fue una escuela de arte, diseño y arquitectura alemana que influyó tan notablemente en el arte moderno que, en la actualidad, se le considera una corriente más. Las representaciones artísticas concebidas en la Bauhaus seguían un patrón común que conjugaba el diseño funcional y la producción en serie.La estética debía estar al servicio de la funcionalidad, y el uso no debía sacrificar el diseño.
9. ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA | 1920
Esta corriente se basa en el empleo de figuras geométricas sencillas combinadas.La abstracción geométrica reacciona al sentimentalismo impreso en las corrientes anteriores de las artes plásticas. Recibe una clara influencia de culturas antiguas que emplearon la geometría como motivo decorativo.Esta corriente busca representar realidades completamente planas o bidimensionales.
10. ART DECÓ | 1920
El Art Decó influyó decisivamente en todas las artes decorativas. Su origen se encuentra en la Exposición Universal de 1900 en París.El Art Decó emplea líneas toscas y secas, no sinuosas. Y tiene una clara preferencia por materiales de origen industrial como el acero o el aluminio. La simetría era un elemento importante en la representación, así como la geometrización de elementos, especialmente visible en elementos arquitectónicos.
11. SURREALISMO | 1920
El Surrealismo encuentra en el inconsciente humano un paraje ideal para retratar. Las pulsiones, los miedos y los anhelos ocultos en el interior del artista pretenden ser expresados a través de elementos extravagantes.Es una corriente cargada de simbolismo, que ofrece una evidente dificultad de interpretación por haber perdido los referentes naturales.Los pintores surrealistas crearon numerosas técnicas artísticas como el frottage o el fumage.
12. REALISMO SOCIALISTA | 1933
Fue un movimiento desarrollado especialmente en la Unión Soviética tras la revolución. Supuso una superación de los estilos artísticos asociados a la burguesía.Pretendía representar los problemas sociales y las vivencias personales de la clase trabajadora agrícola o industrializada.A través del Realismo socialista se ensalzaban valores de trabajo proletario, convirtiéndolo en algo admirable.
13. EXPRESIONISMO ABSTRACTO | 1940
Fue un movimiento artístico cuya máxima expresión fue la pintura, realizada habitualmente en formatos de gran tamaño.Desaparece la figuración, aunque no radicalmente; en ocasiones pueden encontrarse figuras reconocibles. No existen jerarquías entre elementos representados, por lo que se entiende el espacio pictórico como un todo. La gama cromática se limita al uso del blanco y negro, y la combinación de colores primarios.
14. POP ART | 1950
El Pop Art revoluciona el panorama artístico gracias a la asimilación e incorporación de elementos propios de la cultura popular. Los medios de comunicación son una fuerte influencia, y los motivos publicitarios a menudo son retratados en representaciones artísticas.El Pop Art se impone ante el concepto de arte elitista, favoreciendo el acercamiento de la cultura a la masa, que puede ser captadora o creadora de contenido artístico.
15. OP-ART | 1960
El Op Art es un arte óptico que se basa en la creación de juegos visuales e ilusiones ópticas que engañan al observador.Elementos emocionales están completamente fuera del deseo del artista, que se enfoca en aspectos puramente estéticos.La combinación y repetición de líneas y figuras geométricas, junto con colores extravagantes dan lugar a representaciones poco corrientes.
16. ARTE DE ACCIÓN | 1960
Arte de acción es el nombre con el que se designa a un conjunto de técnicas y estilos que se enfocan en el acto creador, en la acción que realiza el artista para dar lugar. La obra es el proceso de creación. Este hecho le confiere un carácter extremadamente efímero. El happening o la perfomance son formas de expresión del arte de acción. En este tipo de representaciones el artista es parte del resultado de la obra.
17. FLUXUS | 1962
El movimiento Fluxus se movilizó para luchar contra la concepción artística como objeto de consumo o mercancía, defendiéndolo como movimiento artístico de gran valor sociológico.
Fluxus aúna en sus obras elementos y materiales procedentes de diversos entornos, confiriéndoles un significado holístico al conjugarlos en la representación artística.
Esta tendencia busca incorporar el arte en la cotidianeidad de la sociedad.
18. MINIMALISMO | 1965
El arte minimalista se enfoca en la necesidad de reducir el contenido a la más pura esencia, deshaciéndose así de todo elemento restante que no aporte valor a la obra.Es un movimiento cargado de simbolismo y de un alto valor intelectual, aunque a nivel producción o manufactura no requiera grandes dotes.Se caracteriza por la concreción conceptual. El lenguaje artístico se economiza al máximo, siempre manteniendo un orden estético.
19. ARTE POVERA | 1970
Toma su nombre de la costumbre que los artistas del movimiento tenían de emplear materiales humildes, como son la tierra o las plantas.El Arte Povera se enfrenta a la comercialización del arte, representando a través de sus obras la caducidad y el valor real de los objetos tras la intervención del artista. Manifestaron a través de su obra la cuestión de dónde se hallaba la valía artística, si bien en la obra en sí, o en el artista que la realizaba.
20. HIPERREALISMO | 1970
El Hiperrealismo busca la representación de la realidad de un modo absolutamente fiel y objetivo. Con ello, se enfrenta directamente con la fotografía.Para magnificar el resultado final de las obras, los artistas hiperrealistas incorporan elementos reflectantes, de colores sinuosos o brillantes a sus imágenes.A menudo representan una realidad impersonal, casi mecánica, valiéndose de fotografías para alcanzar un resultado final absolutamente cercano a la realidad.
C.
El lenguaje publicitario se emplea para persuadir a las masas para comprar diversos productos u obtener algún servicio comercial, en campañas políticas, para informar a la gente sobre candidatos que se postulan a algún cargo o de manera preventiva para informarnos sobre medicamentos, campañas de salud y temas ambientales.
Existen seis ámbitos para desarrollar la comunicación persuasiva, estos son
social
económico
preventiva
politica
comercial
sensual
D.
Los textos icónico-verbales reciben este nombre porque están compuestos por texto escrito combinado con imágenes que representan personas, lugares u objetos y en conjunto envían un mensaje al enunciatario.
Para comprender el mensaje de un texto icónico-verbal es necesario haber desarrollado la habilidad lectora para comprender el significado de las imágenes, colores, personajes, y la relación entre ellos.
Para adentrarte en el tema, primero es necesario saber el significado de los dos conceptos centrales:
- Se sabe que el término icónico es un adjetivo que significa “conforme al modelo”. Pero como tal significado nada resuelve es necesario rastrear la palabra, así, la definición que mejor se apega para el estudio del tema es iconología: del griego eikon, imagen, y logos, discurso. “Representación de las virtudes, vicios u otras cosas morales con la figura o apariencia de las personas”; y agregamos de los animales y las cosas.
- En cuanto al segundo concepto, verbal proviene del latín verbalis, que es un adjetivo del que se dice “se refiere a la palabra, o se sirve de ella”.
Al juntar los dos términos, se obtiene que un texto icónico-verbal es el que se vale de las figuras o apariencias de las personas, animales o cosas para darles a éstas la palabra y enunciar un mensaje.
Entre los textos icónico-verbales se destacan los siguientes ejemplos
- cómic
- caricatura
- el anuncio publicitario
